“交响乐”广义来说泛指交响音乐，包括大型管弦乐团在交响音乐会上演奏的所有器乐作品。交响音乐涵盖了交响曲、协奏曲、管弦乐曲三大类，以及组曲、序曲、交响诗、交响诗篇、幻想曲、狂想曲、音画、音诗、交响练习曲、交响随想曲、舞曲、舞剧音乐、进行曲、小夜曲、嬉游曲等等细类。
追根溯源，“交响”一词是来自希腊文，由一个“Sym”(意为“同时”或“交响”)和一个叫作“phonia”（意为“声音”或“响起”）这两个词组美妙组合而成——“Symphonia”，也就是“协同发声”即“交响”的意思，后又历经意大利文Sinfonia，英文Symphony，翻译成中文就是“交响”。
狭义的交响乐通常指的是“交响曲”。交响曲是音乐史上最举足轻重的音乐形式。文艺复兴时期就有了交响曲这个说法，交响曲早先由意大利发展而来，但当时的含义和现在完全不一样，当时的交响曲泛指的是一切多声部的音乐。其中包括了声乐和器乐。到了16至17世纪，交响曲用来称呼歌剧和清唱剧中的序曲和间奏曲，通常这类音乐大多庄严辉煌，而这时声乐已经排除在了交响曲的概念以外，“交响曲”从此成为了纯粹的器乐曲。18世纪初，序曲和间奏曲开始脱离歌剧开始在音乐会上单独演奏。意大利那布勒斯派作曲家亚历山大·斯卡拉第等人为先驱，在自己的作品中为序曲奠定了“快板－慢板－快板（舞曲风格）”的三段体式，给后来的交响曲的乐章格式建立了最基本的格式。18世纪下半叶，德国的曼海姆乐派在序曲的创作中开创了主调音乐的手法，提高了乐器的表现能力和音乐的戏剧性，并在三段式序曲的基础上增加了快板的终曲，就形成了四乐章器乐套曲的雏形。后经海顿、莫扎特的大量创作实践，交响曲发展到了最成熟的阶段，也使得交响曲进入了自己的黄金时期，最终确立了规范的交响曲式，即古典交响曲。它包括有4个乐章：第一乐章，快板，奏鸣曲式；第二乐章，慢板（或稍慢），节略的奏鸣曲式、三段式、复三段式、变奏曲式，具有抒情性；第三乐章，快板（或稍快），小步舞曲；第四乐章，快板（或急板），回旋曲式、奏鸣回旋曲式等。此外，交响曲整体的调性布局、和声结构、各乐章间的对比与平衡、乐队中乐器的组合与规模等均得到规范化而基本定型。真正在交响曲创作中具有分水岭意义的当属贝多芬，他赋予交响曲更深刻的精神内涵，提高了交响曲的艺术地位，大大扩大了交响曲的表现幅度。到了十九世纪浪漫派时代，随着不同作曲家发展而朝着个性化发展，结构也趋于任意自由。交响曲的内容、形式、乐队编制，乃至于标题，都进行了不同程度的创新。在这个时期，交响曲的形式更为自由，色彩更加丰富，表现手法也更多种多样。有的扩大乐队编制，有的加入声乐，也有受贝多芬“田园”交响曲影响的伯辽兹推出大编制的标题交响曲。之后，又催生了李斯特的交响诗。但是也有象布鲁克纳和布拉姆斯那样在交响曲上恪守古典形式的作曲家。
进入十九世纪后半叶，不仅德国、奥地利以及法国等写出大量交响曲，俄罗斯、捷克、波兰、芬兰等国也有众多作曲家积极创作交响曲。这类交响曲大多倾注了民族感情和音乐色彩。进入十九世纪末、二十世纪初，越来越多的新元素添加到交响曲中，交响曲发展趋于多样化，既有象马勒这样采用超大编制创作作品的作曲家，也有象勋伯格等为中心的新维也纳乐派追求小编制室内乐化的交响曲，更有革新派如斯特拉文斯基那样独树一帜创作如“诗篇交响曲”那样的作品。二十世纪最重要的交响曲作曲家还有苏联的肖斯塔科维奇，他的作品充满强烈的批判精神。气势恢弘，感情细腻，表现力无限丰富的交响曲拥有越来越多的爱好者。
交响曲是由管弦乐团演奏，每个国家乃至每个城市都以拥有一支水平精湛的管弦乐团而感到自豪。厦门爱乐乐团在中国十几个职业交响乐团中迄今为止是唯一民办公助的职业交响乐团。在艺术总监、首席指挥郑小瑛教授带领下，乐团在过去的八个音乐季里已成功演出600余场交响音乐会，积累曲目150多套，在普及推广交响乐方面取得了社会一致好评。
